十七世纪的画家面对自然时，有一个看似简单，却相当棘手的问题：艺术家应该模仿眼前活生生的人，还是模仿古代留下来的大理石雕像？

荷兰画家与版画家扬‧德‧比斯霍普在《古代雕像图像》第一册的题辞中，便试图回答这个问题。这套版画集于一六六八及一六六九年在海牙出版，收录大量古代及仿古雕塑的图像，其中一个重要目的，是为当时的艺术家提供可供学习的人体范本。

比斯霍普因此列举出一条悠长的传统：从拉斐尔、米开朗基罗，到曼特尼亚、普桑，伟大的艺术家都曾仔细研究古代作品，甚至毫不避讳把其中的姿态与形式移入自己的创作。

然而，古代艺术家的成就，最初同样来自对自然的观察。既然如此，后世画家为什么不能直接学习自然？比斯霍普的回答是：「自然中的美总是与不值得欣赏的东西混在一起。」

自然不会替艺术家整理好自己。眼前有无数身体、姿态、年龄与动作，美与平凡彼此混杂。艺术家的工作，因此不是忠实抄下所见的一切，而是判断、选择，再把分散于自然中的优点重新组织起来。古代艺术之所以重要，正因为它保存了前人如何进行这种选择的经验。

可是，比斯霍普同时提醒艺术家，不要因为迷恋古代，而对「自然与活生生的人」变得盲目。古代雕像不是自然的替代品，更不是必须反复复制的答案。它比较像一位老师，指导我们如何看见自然之中的「差异」。

当比斯霍普逐一观看古代雕塑，他看见的是海格力斯肌肉中的超人力量，是《拉奥孔》的男性老年，也是安提诺乌斯近乎女性的柔软、阿波罗的青年俊美、巴克科斯圆润的四肢，以至萨堤尔与牧神精瘦而结实的身体。

换言之，「理想的美」不存在于某一尊单独的雕像，而存在于古代艺术作为一个整体所展现的差异，「即每一种身体都有自己的『完美优雅』，而不同人物之间又具有极准确的区别。」