一六八五年，英国艺术理论家威廉‧阿格利翁比出版《绘画三对话》。这不是一本单纯教人如何画画的技术手册。它追问的，是一个在当时英国仍未得到解决的问题：画家应该在知识与社会中占据什么位置？

虽然范戴克曾长期服务于查理一世宫廷，鲁本斯、尤尼乌斯和阿伦德尔伯爵等人，也曾把欧洲大陆的艺术观念带到英国，但在阿格利翁比看来，当时英国人仍习惯「一说到『画家』，往往不去想他的艺术，反而极不公道地把他列入机械工匠之中；其实，他比任何人都更有资格跻身自由艺术之列。」

在阿格利翁比的理想中，画家是一个包罗万象的人，「同时是画家、诗人、历史家、建筑师、解剖学家、数学家与博物学家。」画家要理解人体，才能掌握姿态；要懂历史与神话，才能安排故事；要知道建筑、比例与透视，才能建立空间的构图；要理解人的激情与性格，才能让画中人物真正打动观者。绘画因此不只是手的技艺，也是一种需要知识、判断与想像的心智活动。

阿格利翁比没有把这套主张写成一篇严肃讲义，而是把全书安排成虚构的「朋友」与「旅行者」之间的对话。「朋友」代表尚未受过艺术教育的英国观众，好奇，却也懒散而多疑，听见各种绘画术语便觉得麻烦，甚至宁愿从一杯酒中寻找快乐。「旅行者」则曾游历欧洲，在反复观看作品、比较不同画家的过程中，逐渐学会如何看画。

在此，阿格利翁比的书写设计，透露了他的企图：他不只希望英国出现更好的画家，也希望英国出现更多懂得观看艺术的人。《绘画三对话》所要教育的，不只是画家的手，也是观众的眼睛。阿格利翁比旨在指出：当人开始看见绘画背后的知识、选择与思想，画家才可能从工匠的位置，真正进入自由艺术之列。

三百多年后，这个问题竟然没有完全过时：艺术教育从来不只是教人如何创作，更是在教我们，如何看见创作之所以值得被看见。